La llamada de la “Serpiente” funcionaba puntualmente este domingo de resurrección para sacarnos de las respectivas cuevas a quienes hemos decidido pasar tres días desaparecidos de bares y escenarios. Pero es que, esta llamada, se ha convertido en el más potente reclamo de una sala a la que este ciclo le coloca el marchamo de originalidad y calidad. Esta vez lo hacían a través de una segunda línea (si tomamos su potente rock’n’roll como una primera línea) que están sabiendo explotar con muy buenos resultados, la psicodelia.

En esta ocasión, la psicodelia rosa de Mohama Saz. Rosa, sobre todo, porque fue el color que predominó como iluminación frontal en el escenario. Por algún motivo, a la hora de iluminar, hay ideas preconcebidas que nos ponen frente a luces rojas si el concierto es de rock, azules/verdosas si es blues o rosas si es psicodelia. Y es lo que hay.

Los integrantes de Mohama Saz salieron al escenario sin una intro que les precediera, con sobriedad, tomando sus instrumentos y adentrándose poco a poco, con suavidad al comienzo, en un memorable concierto que, sin duda alguna, es el mejor que han ofrecido en Granada desde que en 2018 tuvimos oportunidad de verles por primera vez en esta misma sala. Abrieron con “Quemar las naves”, de su anterior disco, grabado, como el último que vienen presentando, por Carlos Díaz en El Cortijo de Santa María de la Vega (Fuerza Nueva, Los Planetas, Melange, Soleá Morente…)

El domingo le tuvieron también a los mandos, manejando magistralmente el sonido de una banda que conoce al dedillo tras ser su productor en prácticamente todos sus trabajos. Con “Máquina de guerra” (Yai Yai Records, 2024) los madrileños han vuelto a Granada para grabar los siete temas que conforman el álbum. La formación, que hemos conocido con distintos número de miembros (cinco, cuatro y ahora tres sobre el escenario) siguen dentro de la fórmula “poca letra, mucha y muy buena música).

Con una instrumentación en la que destaca su característico sonido nacido de Baglama Saz eléctrico de Javier Alonso y la potente e hipnótica base rítmica de los hermanos Ceballos, con Sergio al bajo y Adrián a la batería. Buscando el equilibrio entre sonoridades ancestrales, orgánicas y asentadas firmemente en raíces orientales y africanas llevadas a la psicodelia más vanguardista, toman su personalidad de las voces corales con las que adornan, a pinceladas, unas melodías que se sustentan por sí mismas.

Mediante el repaso por todos sus trabajos anteriores, presentando por supuesto “Máquina de guerra”, el quinto LP que han editado, nos regalaron un concierto redondo, bises incluidos, en el que por momentos nos traían a la mente grupos como King Gizzard and the Lizzar Wizard o los Derby’s Motoreta Burrito Cachimba, pero, como ellos mismos dicen, también tienen algo de Las Grecas y eso lo pudimos ver algo más claro en temas como “Oro Zíngaro”, con el que cerraron su magnífico espectáculo. Tanto, que aún no sé por qué esta banda no está ya en los mejores festivales.

Dejando claro que nos encontramos ante músicos de gran bagaje y mejores influencias, que han formado parte de proyectos y discos hoy catalogados como “de culto” siguen fuera de todos los estereotipos, creando un lenguaje propio sin renunciar a ser un grupo de rock psicodélico a través del que, una y otra vez, construyen sus temas en su eterna búsqueda de algo que termine por identificarles inequívocamente, como sucede con otras bandas que han emprendido el mismo camino.

Con influencias tan dispares como Erkin Koray, Ersen, Orkestra of Spheres, Triana, Sun Ra, John Coltrane, Goat, Tinariwen, Baba Zula, Las Grecas o Neu!. Sin reglas fijas, buscando la emoción por encima de la definición, Mohama Saz llenó Planta Baja y nos resucitaron tras una lluviosa semana que terminó de la mejor forma posible, de manos de Serpiente Negra.

Cualquier maldita rata mal nacida sabe que un concierto de Guadalupe Plata es una experiencia sonora de la que no sales indemne. Sabe también que, como esa marca de cerveza que se fabrica en Málaga, donde va, triunfa. Si a esto añadimos que el concierto se celebraba en La Cochera Cabaret, sala que aún no conocíamos pero que nos ha encantado por su amplio espacio, buena visibilidad y buen sonido, el concierto ideal para celebrar nuestro peculiar día de Andalucía era sin dudas ese “Serpiente y Redensión” que llegaba además en nuestro horario favorito, a las 19 h, para que de tiempo de cenar, salir, bailar o lo que cada cuál vea oportuno.

Y, puntuales como relojes, acudimos el miércoles a disfrutar de la tormenta sonora con la que abren concierto con un velado martinete dando paso no sólo a Pedro de Dios y Carlos Jimena, sino a otra cara que cada vez se hace más habitual junto a la banda, la de Luis Aróstegui, encargado de sonidos y percusiones varias.

“La ruina” Everlasting Records (2023), es el último trabajo de los ubetenses y en éste, como en los anteriores, son parcos en palabras cantadas aunque para la ocasión se adornan de coros tanto por parte de Aróstegui como de una voz femenina que contrastaba bastante con el oscuro blues del que hace gala Guadalupe Plata. En éste, como novedad, indaga y profundiza en otros sonidos y otras raíces de las que no habíamos percibido su presencia en trabajos anteriores.

En sonidos más tradicionales se meten de lleno con temas como “La Cigüeña” un clásico del folclore castellano, perteneciente al cada vez más reivindicado Agapito Marazuela aunque con la misma facilidad con la que se arraigan al terruño emprenden un vuelo sin motor hacia el perú de Daniel Alomía y nos deleitan con una enorme versión de “El Cóndor pasa” en la que, además, emparentan muy de cerca con el sonido personalísimo de El Twanguero con lo cual, la jugada es redonda, pocas versiones se han podido hacer de este tema con tanto estilo como el que le ha imprimido Guadalupe Plata a este clásico andino.

Eso sí, como suele pasar en prácticamente todos los conciertos de cualquier banda, es en la tanda de temas más conocidos en los que el público se arranca y se enfervorece y allí pudimos verlo en los primeros compases de “Milana bonita”, ese tema proveniente del cancionero infantil como es “Calle 24” o el “Cementerio” que tantas veces nos ha hecho mover nuestros huesos, no al sol, pero sí en la penumbra rojiza y brumosa que eligieron desde sus inicios para “alumbrar” su puesta en escena.

Así, con el manejo impecable que tiene la banda de sus tiempo y el set list, disfrutamos de algo nuevo, algo viejo y algo infernal y pantanoso en esa mezcla sonora que les distingue de cualquier otra banda del estilo. Aunque, Guadalupe Plata sólo hay uno y damos fe de que siguen en una forma envidiable y con mucho que blusear a pie de pantano todavía. Y nosotros, que lo veamos.

Dejando el listón bien alto, los holandeses ejecutaron un black metal directo, brutal, oscuro y absolutamente salvaje. Además de presentar su disco Helleruin traían temas de su anterior trabajo usando como introducción a sus cincuenta minutos de permanencia en el Averno su “All shades of Ferocity” mostrando desde el primer momento a Carchost moviéndose sin tregua por todo el escenario como poseído por todos los demonios procedentes de todas las religiones y mitologías del mundo.

Tras un cambio y un check line que se nos antojó un poco extenso tomaban posesión del escenario las neerlandesas Asagraum cual sacerdotisas del infierno, con la estética y la puesta en escena más lúgubre y tenebrosa, algo menos de oscuridad en el escenario, para deleite de los presentes que por fin podíamos ver la cara de las oficiantes. Liderada por Obscura y A. Morthaemer, la presentación de “Veil of Death, Ruptured”, plagado de todos los posibles matices del black metal satánico aunque se les intuyen influencias de los grupos de la old school del género llevado a la fuerza del lado femenino, más sutil pero sin perder contundencia.

Impresionante Alexandra Rutkowski, bajista de la banda, interactuando con el público, sacando la lengua y mostrándose cercana a los fieles congregados en la oscura ceremonia dedicando miradas pretendidamente amenazantes mientras Obscura permanecía algo más fría pero concentrada en llevar a cabo su perfecta ejecución vocal destacando temas como “De waanzin roept mijn naam”, “De Verloren Tijd Impure Fire”, “Opus Ad Aeternum” o “Ignem Purificat Lilitu”.

Durante su actuación, de impecable sonido, agradecimos especialmente la presencia de algo más de luz para disfrutar de tan magno espectáculo y, si bien la sala se veía un poco vacía, hay que reseñar el hecho de que para ser un concierto de black metal la presencia de público fue la que se podía esperar de un género un poco más alternativo dentro del metal que vive en estos momentos un pequeño resurgimiento del metal alternativo o el hard rock dejando estos estilos más crudos para el nutrido grupo de fieles que sí se sienten convocados a cada uno de los akelarres que se celebran en esta pequeña ciudad y las limítrofes ya que esta gira, de ocho fechas con las que están haciendo un completo recorrido por nuestro país.

Por delante les queda Zaragoza y Bilbao y, si todo va como anoche en Granada, auguramos sendas noches de disfrute dentro de este ritual esotérico en el que se convocarán a todas las fuerzas de ultratumba a través de las voces crudas y guturales de estas dos bandas llegadas desde el frío que no os van a dejar indiferentes.

Sander Clasen presenta el tema “All I Ask” en un acústico íntimo, cercano, grabado en directo para disfrutar del sonido más crudo y personal de este artista afincado en la Alpujarra granadina. All I Ask es un tema que habla sobre la resiliencia, la dignidad, el amor, y la valentía necesaria para ser fiel a uno mismo.

El estribillo es como un mantra que pide “Al Que Siempre Escucha” (al universo), recibir la fuerza suficiente para proteger a la familia y salir adelante: "I only Ask to the 'All Time Listener', to grand me forces, to protect my family here."

La canción nace de la observación del mundo en que vivimos, de los duros momentos vividos durante la pandemia. En aquellos difíciles momentos, lo que Sander tenía claro es que, junto a su pareja, iban a mantener su dignidad y sistema de valores, su modo de pensar ante todo aquel sin sentido y así lo expresa en los versos finales.

 "Mundo Extraño" es el sexto single de su nuevo disco que verá la luz este mismo año y que ha ido en cuentagotas desgranando cada sencillo hasta publicar próximamente el disco completo. Un álbum que la banda presentará en su gira de conciertos tras ser seleccionados por Girando por Salas, iniciativa patrocinada por el INAEM del Ministerio de Cultura y Deporte.

 Ciudades como Valladolid, Logroño, Murcia, Guadalajara, Ciudad Real, Granada, Málaga, Badajoz o Vitoria, entre otras, serán las ciudades en las que Sharon Bates descargarán sus canciones. 

  Según menciona la nota de prensa con "Mundo Extraño", la banda invita a reflexionar a no seguir la corriente de música de masas, pensamiento colectivo según recitan "no necesitamos nada más, no necesitamos saber quién manda, no creemos en dioses ni en condenados". Encontrando un punto intermedio jerárquico dentro de una reflexión de una especie de estructura piramidal reestructurada en el tiempo de la industria musical. La canción sigue la línea con canciones previas del grupo "Flor", con un discurso muy actual que hablaba sobre el feminismo, diversidad y el inconformismo.

  He indagado dentro la escucha desde los comienzos de la banda indierock vallisoletana y cuenta con una trayectoria de más de una década, cuando lanzaron "Dirigido por Adam Smithee". Un disco que es una joya escondida, muy recomendable en su escucha de frescura juvenil. Cuenta con numerosas canciones muy explosivas de guitarras y enérgicas muy interesantes y bailables. Un disco autoproducido por la propia banda y José Caballero, que suena de maravilla percibiendo cada detalle sonoro "Pierdo el control", "Vértigo", enriquece incluso con destellos de sintes, solos de guitarra resulta muy regeneradora emocionalmente. "Mil intentos" de bajo acentuado y creciente revolucionada. "Lipsick Rojo" otra explosiva canción creciente, acelerada y muy trabajada en la sincronización. Las canciones más pausadas también tienen mucho encanto melódico de guitarras, "Robinson en Hyde Park"o "Bambola" que tiene un encanto de exótico latino con referencias rocanroleras de la época dorada de Calamaro. "Diecisex", "Instinto Animal" o "Punto Suicida" son un triplete de canciones rockeras más directas en modo caída de trampolin, otro lanzamiento de piedras incluyendo líricamente el popular filtro para días grises y la imagen de una falta básica. Un disco que es muy disfrutable, buena tonalidad que juega escalas y elocuente de voz, excelente percusión y buena dosis de esencia rockabilly con perfecta sincronización. En directo este disco debería sonar increíblemente atronador dentro de una buena sala acondicionada. 

 "Hawai Quizás" (2017) excelentemente producido por Carlos Hernández sí que sigue la senda del primer trabajo con la madurez necesaria amplificando el sonido del grupo hasta tocar techo todo lo que puede ofrecer la banda desde sus inicios. Y aunque a mi gusto no llega a ser tan frenético y variable dentro de sus composiciones ganan en melodía, las canciones publicadas se asemejan melódicamente a grupos como Supersubmarina como "La Huida", es una exquisitez sonora imprescindible. "Capri", "Soy un Animal" son joyas indiscutibles. 

 "Mundo Extraño" igual que los anteriores sencillos presentados de su próximo disco gira hacia una extraña dirección el rumbo de la banda. Los sencillos presentados dista muchísimo musicalmente desde sus comienzos tan frenéticos. Las canciones parecen un cóctel de ensueño tropical, que se vuelcan musicalmente en otros sonidos más folklore hasta vals. Yo lo encuentro más cercano algunas canciones tribales o exóticas, parecen más influenciados por los estilos de Xoel López o Vetusta Morla (Vietnam, Mundo Extraño, Flor, El León, Mejor...). Muchos ritmos acústicos, rascadores, cencerros, ukeleles, filtros de voz, sintes... el último single incluso me lo imagino para bailar con toga alrededor de hogueras, líricas donde encontramos una incertidumbre dentro de cada reflexión. Ofrece sensación que nutre de contradicciones sobre los próximos proyectos según sople el viento de una moda musical . Un cambio sonoro arriesgado que resulta un poco desconcertante  en la trayectoria del grupo, pues "Dirigido por Adam Smithee" y "Hawai Quizás" son dos productos con ese toque rockabilly más fresco, cercano a la generación de grupos Airbag, Cooper... que a mi gusto los proyectos del grupo encajaban a sonar  similar al último disco de Ripoll, canciones que potencian un tratamiento de rejuvenecimiento sensorial.